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L'évolution sémantique du mot décorateur révèle les processus identitaires en jeu dans la construction des figures d'artistes. A l’orée du XXe siècle en France, les nouvelles valeurs de ce vocable trouvent leur origine dans l'affirmation du statut d'artiste créateur et dans la consécration de la synthèse des arts. Une figure idéale d'artiste décorateur se dessine sans pour autant renvoyer à une catégorie professionnelle stable. En effet, la réception critique ne fait pas consensus autour des compétences, entre savoir et savoir-faire, collaboration indépendante et maîtrise d'oeuvre, vision esthétique et dessin technique, conception sur mesure et en série. De l'ensemblier à l'architecte d'intérieur, le terme décorateur ne parvient à aucune définition sociale et professionnelle propre. La conception de la décoration de style français moderne et la nécessité de répondre aux besoins réels de la société divisent les créateurs. Les principes rationalistes de l'aménagement, défendus par l' Union des artistes modernes (UMA) en 1929, mettent définitivement en crise l'identité du décorateur ornementaliste. La dépréciation sémantique qui se poursuit pendant les Trente Glorieuses aboutit à des revendications professionnelles autour de "l'architecte spécialisé". Des groupements et syndicats comme l'Union des Créateurs d'ensembles et de modèles (UADCE) et le Syndicat des créateurs d'architectures intérieures (CAIM) témoignent des nouvelles stratégies identitaires au profit de l'architecte d'intérieur, créateur de modèles ou plus tardivement designer. La spécialisation et l'élargissement de compétences du décorateur au cours de cette période révèlent des porosités et des différenciations professionnelles toujours difficiles à légitimer. A evolução semântica da palavra “decorador” revela os processos identitários em jogo na construção das figuras de artistas. No alvorecer do século XX na França, os novos valores desse termo têm origem na afirmação do estatuto de artista criador e na consagração da síntese das artes. Uma figura ideal de artista decorador ganha forma, sem, contudo, referir-se a uma categoria profissional estável. Com efeito, não há consenso, no âmbito da recepção crítica, quanto às competências entre conhecimento e savoir-faire, colaboração independente e coordenação de projeto, visão estética e desenho técnico, concepção sob medida ou em série. Do ensemblier ao arquiteto de interiores, o termo “decorador” não adquire nenhuma definição social e profissional específica. A concepção da decoração de estilo francês moderna e a necessidade de responder às reais demandas da sociedade dividem os criadores. Os princípios racionalistas de arranjo dos espaços, defendidos pela Union des Artistes Modernes (UMA) em 1929, colocam definitivamente em crise a identidade do decorador ornamentista. A depreciação semântica que se prolonga durante os Trente Glorieuses culmina em reivindicações profissionais que giram em torno da figura do “arquiteto especializado”. Associações como a Union des Artistes Décorateurs Créateurs d'Ensembles (UADCE) e sindicatos como o dos Créateurs d'Architectures Intérieures et de Modèles (Caim) expressam as novas estratégias identitárias em favor do arquiteto de interiores, criador de modelos ou, mais tardiamente, designer. A especialização e a ampliação das competências do decorador durante esse período revelam porosidades e diferenciações profissionais que são sempre difíceis de legitimar. The semantic evolution of the word decorator reveals the identity processes at stake in the construction of the image of artists. At the dawn of the 20th century in France, the new values of this word were originated in the affirmation of the status of creative artist and in the consecration of the synthesis of arts. An ideal image of a decorating artist takes shape, but does not, however, refer to a stable professional category. In fact, there is no consensus in the scope of critical reception with regard to the competencies, between knowledge and savoir-fare, independent collaboration and project coordination, aesthetic vision and technical design, tailor-made or serial designs. From ensemblier to interior architects, the term decorator does not acquire any specific social and professional definition. The concept of modern French style decoration and the need to respond to real demands from society divides creators. Rationalist principles of arrangement of spaces, defended by the Union des artistes modernes (UMA) in 1929, placed the identity of ornamental decorators in definitive crisis. The semantic depreciation that extends during the Trente Glorieuses culminates in professional claims that revolve around the idea of the “trained architect”. Associations such as the Union des artistes décorateurs créateurs d’ensembles (UADCE) and unions such as the Créateurs d'architectures intérieures et de modèles (CAIM) represent new identity strategies in favor of the interior architect, model maker or, later, designer. The specialization and expansion of decorator’s skills during this period reveals the porosity and professional differences that are always difficult to legitimize.

The iconographic, formal and technical analysis of the decoration elements of El Castillo and La Pasiega (Cantabria) highlights a heterogeneous distribution of the main themes, with distribution logics that are very different in each of the caves. In El Castillo, the main themes appear in distinct sectors, each one containing a central area with a high density of motifs and an end that sets its limit. Consequently, the decoration appears as a mosaic formed of small sets of motifs. In contrast, using the same analysis criteria for the cave of La Pasiega shows that, besides motifs of the same type spread in the network space, there are more structured decorated sets. The set of Gallery A shows an increasing number of motifs from the beginning to the end of the sector, with a maximum density at the level of the back areas. In turn, the set of Gallery B comprises animal figures that stood out all the more to the viewers that they were illuminated by natural light. Whereas the decoration of Gallery A is organised in the manner of deep sanctuaries, the ornamentation of the Salle du Mégacéros of Gallery B falls rather in the logic of open-air sanctuaries. info:eu-repo/semantics/published SCOPUS: ar.j

Recensão da exposição “Affiches cubaines. Révolution et cinéma. 1959-2019”, comissionada por Amélie Gastaut, inaugurada em outubro de 2019 e em exibição até fevereiro de 2020 no Museu de Artes Decorativas de Paris. A mostra reúne um conjunto de cartazes cubanos revolucionários, recobrindo os sessenta anos da Revolução e do ICAIC.

The British Neolithic transition, occurring around 4000 BC, at least one millennium after the continental part of Northwest Europe, is still subject to important debate these days. Various studies suggest that the Neolithic start involved farming immigrants from various parts of the Continent. However, ceramics of the Early Neolithic of Britain became increasingly distinct from their Continental roots, particularly in the Southwest and Southeast of England. We recently completed two important projects, one on Early Neolithic British and Irish pottery and the other on Peterborough Ware, integrating a new way of considering these early productions through a technological approach and the observation of various steps of the chaîne opératoire. This paper is the opportunity to present preliminary results which shed a new light on the evolution of pottery wares during the fourth millennium BC in Southern Britain. It specifically highlights strong connections between Early Neolithic and Middle Neolithic pottery, in terms of style, but above in terms of manufacturing techniques.

Dès le XVIII e siècle, les motifs d'architecture ont participé à l'élaboration des compositions de « meubles à personnages », c'est-à-dire des toiles figuratives imprimées à la plaque de cuivre en une seule couleur, connues sous le terme éponyme de toile de Jouy 1. Cette technique d'impression, mise au point à partir des procédés de l'estampe et importée d'Angleterre, favorise l'apparition d'un nouvel art textile qui se caractérise par de grands dessins paysagers 2. Dans cette esthétique empruntée à la peinture de paysage, l'architecture sert de décor, parfois elle contribue à situer un espace. Ces motifs restent des éléments secondaires et anecdotiques dans un récit qui privilégie les relations entre les personnages et les situations pittoresques. Des bâtiments dans les jardins ou dans les scènes de vie à la campagne agrémentent ces nouvelles étoffes dans lesquelles la disposition des saynètes participe à la recherche de profondeur sur le fond écru de la toile. Au début du XIX e siècle, les meubles à personnages connaissent un profond renouvellement, passant de scènes bucoliques à des décors néoclassiques. L'évolution des thèmes s'accompagne d'une transformation décorative, le principe des saynètes dans un paysage laisse place à des compositions symétriques sur un fond orné. Le goût à l'antique, la littérature ou les monuments sont des thèmes à la mode. Les dessinateurs accordent une attention nouvelle aux sites historiques et aux vues de villes pour des motifs destinés à orner les murs et à fabriquer des lits. Cette profusion de monuments se manifeste de plusieurs manières, la valeur accordée à l'architecture évolue, entre souvenirs de voyages, références historiques et artistiques ou symboles politiques. Les choix des manufacturiers montrent que ces décors se trouvent investis d'une nouvelle signification, cherchant à séduire un large public. Ce phénomène s'accentue dans les années 1820 lorsque ces étoffes figuratives qui ont séduit la petite bourgeoisie par leurs prix abordables deviennent des produits très bon marché. L'analyse des propositions iconographiques et artistiques des fabricants permet d'appréhender cet engouement pour la représentation de l'architecture dans les toiles imprimées et son évolution durant la première moitié du XIX e siècle. Between the 1800’s and the 1840’s the printed textile manufactories in France have seized the theme of monuments representation, often associated to a country or a capital. This fascination for architecture leads emblematic images of countries – China, Egypt, Italia – or large capitals, especially Paris. If these images invite to a travel, imaginary or real, monuments are a way to incarnate a monumentalized history. In the politic context of the end of the Empire and the Restoration’s advent, these patterns feed a vision of France history where nostalgia of old time is a pretext to maintain political ideas. But these fabrics intended to bed’s manufacture have first as purpose to seduce consumers by offering them a travel.

En choisissant de mettre à l’honneur des citoyens modèles, notamment grâce à la technique des décorations, la Troisième République a recours à une pédagogie par l’exemple pour installer durablement une culture méritocratique dans la société française. Pour cela, elle invente de nouvelles médailles tout en s’appropriant celles qui avaient été créées sous les régimes précédents comme la plus prestigieuse d’entre elles : la Légion d’Honneur (1802). Si l’historiographie des usages symboliques de la République a été rendue solide avec les travaux de Maurice Agulhon sur la Provence, moins connues sont ces « élites de l’honneur » dont les archives publiques ont conservé les traces. En explorant le célèbre « Var rouge », il nous a été permis de cerner le profil de ces élites méditerranéennes que l’État républicain a souhaité honorer entre 1870 et 1940. Parmi celles-ci, se distingue la catégorie des maires, en particulier ces « bons maires » qui œuvrent pour la « républicanisation » de la société. Ce sont quelques-unes de ces personnalités qui seront présentées dans ce chapitre. In designating model citizens through processes like decorations, the French Third Republic set examples to establish a culture of meritocracy in French society. It invented new medals and appropriated existing ones created by former regimes, including the most prestigious of all: the Légion d’Honneur (1802).Although the historiography of the Republic’s symbolic practices has been augmented by Maurice Agulhon’s works on Provence, this “elite of honour” whose trace remained in public archives is not well known. We explored the “Var rouge” (the predominantly left-wing Var département) to study the profiles of this Mediterranean elite which was honoured by the Republican state between 1870 and 1940. These include the category of mayors, in particular the “bons maires” who contributed to the “republicanisation” of society. This chapter presents a few of these personalities.

Pour qui s’interroge sur les liens entre progrès, changement social et Antiquité, les écoles municipales des beaux-arts et des arts décoratifs constituent des laboratoires intéressants. Dans la deuxième moitié du XIXesiècle, ce type d’institution ne cesse de se développer. Leur histoire est souvent méconnue. Parmi elles, nous avons retenu le cas de l’école municipale des beaux-arts et des arts décoratifs de Bordeaux, profondément réorganisée entre 1878 et 1889. À la fin du siècle, elle est dirigée par un archéologue et historien de l’art, l’helléniste et ancien Athénien Pierre Paris. L’objectif de cette enquête est de voir comment l’école s’est adaptée aux nouveaux enjeux de la fin du XIXesiècle et quelle place était alors réservée à la référence à l’Antiquité au sein de cette institution.; For those wanting to examine the links between progress, social change and Antiquity, the Municipal Schools of Fine Arts and Decorative Arts are interesting laboratories. In the second half of the 19th century, these kinds of institution multiply. However, their history is often unknown. Among the possible cases of study, it seems relevant to choose the Municipal School of Fine Arts and Decorative Arts of Bordeaux, which was deeply reorganized between 1873 and 1889. Between 1898 and 1913, the archaeologist and art historian, Pierre Paris (hellenist and former member of the French School of Athens), was in charge of it. This paper aims to study how the school adapted to the new challenges of the late 19th century and what place was then reserved for the antiquity reference within this institution

A few days before the opening of the exhibition on Edward Burne-Jones, Tate Britain released a tantalising trailer for this unique event, as no exhibition devoted to the Victorian artist had been held since 1998 – in his hometown, Birmingham – and for over forty years in London. Featuring three mesmerising tableaux vivants of pictures by Burne-Jones (Laus Veneris, Love among the Ruins, and The Rose Bower), the trailer highlights the approach adopted by Chief Curator Alison Smith, and Assistan...